waves教学：Waves鼓组混音十步方案(上)

Waves这篇小文章将会从头到尾帮助你梳理鼓组混音的十大要点，从均衡、压缩、相位校正，到并联压缩和混响处理。
第1步：微调鼓音调
鼓本身不是旋律乐器，但鼓确实也有一定的音调，确保鼓声在调上很重要。Torque插件就是专门为改变鼓声根音而设计的。可能的话，你可以尝试将底鼓和军鼓调到和乐曲曲调的根音或五度音。
嗵鼓通常按照同一个调的不同音程调整，取决于你有多少个嗵鼓。嗵鼓越少，音程越大。举例来说，有3个嗵鼓时，通常将它们调整到完美的四度音程，有时又会是大三度。一些乐手和制作人甚至会把嗵鼓调整到歌曲的和弦音上。
将鼓与音轨的旋律元素进行同步细节调整，可以对乐曲整体声音紧凑感发挥强大作用。

Torque
第2步：相位校正
在调整了鼓的音调之后，确保各个轨道之间的相位关系良好，是非常重要的一环。当音轨不同相时，就可能产生相位抵消，从而导致某些频率听起来不平衡甚至完全消失。
想想套鼓和拾音麦克风之间的物理距离，就很容易理解鼓组相位不一致这个常见现象了。军鼓（通常是套鼓中最响亮和最明显的声音）每次敲击时，军鼓位置的近距话筒将首先拾取到声音。吊镲话筒和其他距离套鼓较远的话筒，在拾取声音时都会经历一个微小但关键性的延迟。
所有鼓轨道都是同时录制和回放的，但鉴于与军鼓距离的不同，原始音轨中会叠加包含几组时间和距离各异的军鼓声。当所有话筒声道一起播放时，声音就会有一些相位变化，导致声音的“模糊”。为了纠正这种情况，习惯上就会将吊镲和其他距离的话筒针对军鼓进行调整，以使套鼓的声音尽可能干净。

对齐收紧鼓音轨，可以使用InPhase插件
第3步：添加门限和瞬态塑形
一些工程师喜欢在均衡之前应用动态处理，而另一些人则喜欢相反的顺序。二者皆可。不过你要知道，两种方法听起来会不一样，所以要试验一下哪种方法最适合自己的工作流程。
如果你处理的是鼓组录音，那么几乎肯定会碰到鼓声串音——鼓的声音会串录到临近的话筒中。为了获得对每个单独声音的最大控制权，录音工程师们会使用门限器和扩展器。它们非常有助于获得干净的底鼓和军鼓声音，并且自由操纵，使之不受邻近鼓声和镲片的干扰。
添加门限来清理声音，是将电平降低到零，仅当电平足够大到超过阈值时再打开门限并允许音频通过。门限器通常都包含在通道条插件中，比如Scheps Omni Channel，或SSL E-Channel和G-Channel插件。
你可以将处理器加载在有串音的鼓通道上，然后降低阈值直到串音被消除。这样，就只有你想要的声音能正常通过，或者说开启门限。调整Attack时间（门限开启的速度）可以影响爆发力或声音瞬态，而调整Release释放时间，可以控制声音衰减的门限关闭。你也可以使用扩展器功能，设定范围使得串音得到定量的减少，而不是完全使之静音。
通常情况下，工程师会在他们的DAW中编辑音轨，删除掉嗵鼓中有串音的片段。这时，要针对剪切的嗵鼓瞬态加以处理，在敲击和衰减时加一点淡入淡出，以使套鼓的声音显得自然。

Smack Attack之类的插件辅助处理鼓声的瞬态
第4步：减法EQ
一般来说，减法EQ是通过参数均衡器完成的，比如SSL E-Channel和G-Channel。你可以尝试使用Q值高的窄频带设定来定位录音中的问题范围。如果在识别冲突频率时有困难（例如军鼓鼓腔中顽固的共鸣），不妨试试使用扫频技术：
在一个EQ频段上调高Q值，让它变得非常窄；
尽可能提高该频段的增益；
慢慢扫动通过该频段的有效频率；
当你听到特别明显的冲突频率时，停手！
现在，不是要提升频率了，而是需要减少增益，进行削减；
你可能需要调整Q值，以使EQ调整变得平顺。

SSL E-Channel和G-Channel
第5步：加法EQ
加法EQ通常用更宽泛、更多样的均衡器来完成。有些人喜欢API 550和560的API控制台的声音，有些人喜欢仿照经典Neve 1073设备建模的Scheps 73上的“摇滚感”，还有一些人钟爱RS56或PuigTec EQs的老式声音。

RS56
下面是一些调整套鼓均衡时最常需关注的频率区域：
底鼓低频：50Hz - 100Hz - 非常适合增加力量感，但太多会产生轰隆声低中频：100Hz - 250Hz - 非常适合增加厚重感，但太多会导致浑浊中频：400Hz - 800Hz - 太多会导致呆板空洞高中频：3kHz - 5kHz - 非常适合添加拍击感和噪音效果; 太多则会刺耳
军鼓低中频：100Hz - 250Hz - 非常适合增加厚重感，但是太多可能导致浑浊中频：400Hz - 1kHz - 通常是基频的位置所在; 太多会导致呆板空洞高中频：3kHz - 5kHz - 非常适合添加拍击感，太多则可能会刺耳高频：10kHz - 非常适合添加“空气感”和“嗡嗡声”，太多可能会尖锐刺耳
嗵鼓低频：65Hz - 100Hz - 非常适合增加地嗵鼓的力量感，但太多会产生轰隆声低中频：100Hz - 200Hz - 非常适合为架嗵鼓增加力量，但太多会导致浑浊中频：400Hz - 800Hz - 太多会导致呆板空洞中高频：5kHz - 7kHz - 非常适合添加拍击感; 太多则会刺耳
镲片/吊镲低中频：200Hz - 500Hz - 非常适合为镲片添加厚重感生命力，但太多可能导致浑浊或呆板空洞高中频：3kHz - 5kHz - 非常适合添加临场感，但太多可能会刺耳，并对人声形成干扰高频：7kHz - 12kHz - 非常适合添加“空气感”，太多可能会尖锐刺耳
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waves教学：Waves鼓组混音十步方案(下)

Waves这篇小文章将会从头到尾帮助你梳理鼓组混音的十大要点，从均衡、压缩、相位校正，到并联压缩和混响处理。本文为第二部分。
第6步：压缩
平衡了频谱，控制了鼓串音，就是时候关注动态了。压缩很难搞，但它也正是实现现代鼓声的关键因素之一。
通常，底鼓和军鼓上会进行3-6dB的增益衰减。嗵鼓有时也会被压缩，但这取决于它们在歌曲中的出现频率。镲片、吊镲和房间话筒的处理方式则很多样，从“一点儿都不压缩的爵士乐”方式到“压成碎片的摇滚乐”方式都有。
与压缩量同样重要的是压缩的时间设置。
缓慢的启动（Attack）时间允许初始声音在压缩之前通过，但设置得太慢就可能会导致压缩器错过一些鼓点。
快速的启动时间通过削弱敲击的初始瞬态来加强表现力，这有利于加强控制，但设置得太快可能会减弱音轨的活力，让它被遮掩在混音中。
相对较快的释放（Release）时间可以帮助增加可感知响度，让鼓声“迎面而来”，但速度过快的话则可能会导致不自然的抽吸声。
许多混音师设置鼓压缩时，允许一些初始瞬态的起音通过，并且利用释放使鼓的衰减更清楚可辨，以增加可感知的能量。对压缩器进行A/B对比，你就可以知道增加动态处理是否会有帮助。
找出最合适的启动和释放时间的简单方法，就是从最慢的启动和最快的释放开始。慢慢减小启动时间，直到开始失去初始瞬态冲击力时，再往回调。然后，缓慢增加释放时间，直到压缩器开始与歌曲“同步呼吸”。当鼓敲击发声时，指针应该会跳3-6个dB，在它返回到0之前，下一声击鼓又会将指针推回3-6dB。
这些都设置得当后，鼓声就会感觉鲜活，并且适于更富音乐性的动态混音。SSL E-Channel和G-Channel通道条、V-Comp和API 2500插件都是一些处理鼓组的常用压缩器。

V-Comp
第7步：混响
为了增加深度感，工程师会给辅助发送的单个鼓轨道加上混响。混响的具体设置由歌曲而定，但长度通常应与曲速相关。
例如，大多数情况下，军鼓敲响时，你应该能清楚地听到混响尾音的衰减，正好是在下一次军鼓发声之前。如果在第二声军鼓之前混响尾部都不会消失，那么混响很可能太长了。
将混响效果与原始干声音轨混合，可以创建出所需的空间感。除非想做极有创意的效果，要么最常用的设置方式就是让混响通道电平在静音时让人觉得“若有所失”，但又不要很大声地让混响音轨突出，或让人过多关注它的存在。

塑造空间感，Abbey Road Reverb Plates不失为一个好选择
小捷径：签名系列插件应用EQ、压缩、动态处理和鼓拾音话筒的效果需要大量工作。幸运的是，经验丰富的混音师Chris Lord-Alge、Eddie Kramer、Jack Joseph Puig和Tony Maserati这些大师都设计了签名插件，可以让你轻松得到他们久经实战验证的效果处理链。这些签名系列插件中都提供了针对底鼓、军鼓、通鼓、吊镲和房间麦克的均衡、压缩、混响和动态处理的独特组合。每个插件都附带各种预设，可帮助你快速得到最好的鼓声。
第8步：设置并联压缩
为了增厚和提升鼓的声音，添加并联压缩是非常普遍的操作。方法大致是，设置一个辅助音轨，将从鼓组发送出的各种通道在此进行处理，然后与鼓的其余部分并行混合起来。根据你想达到的声音，也许你会发送军鼓和踩镲给并联母线，或者你也可以在吊镲中加入一点嗵鼓。之后，你可以将并联通道和其他鼓一起发送到鼓组母线。

SSL G-Master Buss Compressor是并联压缩的常用武器
如果你在并联通道中进一步添加染色处理，就可能得到巨大的鼓声。一些工程师会将他们的并联鼓声完全压扁、染色和碾碎（压缩比10：1）的声音——这些不一定是你想要的。不过，当把它们与干鼓再混合到一起时，声音可能会获得额外的精气神，给鼓组提供重要的声音补充。
第9步：使用母线压缩
母线压缩通常比应用于单个通道的压缩更细微，并有助于将鼓组“粘合”在一起。
母线压缩的压缩比通常保持在2：1左右的低水平。启动时间一般很慢，可以保证套鼓的瞬态爆发。释放时间则因音轨速度而异，而使用诸如SSL G-Master Buss Compressor等许多压缩器上的自动释放功能也十分常见。
有些压缩器自带非常适用于鼓处理的功能。例如，API 2500在其阈值检测器上带有一个独特的“Thrust”滤波器，可以防止低频（比如底鼓中的那些频率）过于激烈地触发压缩器。这点很有用，因为给低频添加的声音能量更会轻易触发压缩器，牵连影响镲片等高频声音。

C4这样的多段压缩器就可以更好地控制鼓的母线，因为它们允许频谱内的各个部分完全独立处理
第10步：设置自动化
每个DAW都允许编写音量自动化控制，这是一种简单而有效的方式，可以给鼓音轨带来活力。例如，混音基本OK后，在整首歌曲中仔细聆听每个鼓声道。你可能会发现，踩镲电平在主歌中很棒，但在其他时间中则需要降低一点——或者在某个部分要提1dB，以使其产生更大冲击力。
临近混音过程的结尾时，自动化细节设置可以进一步加强混音中的鼓声，整体调整到达听者耳中的声音表现。
最后，你应该得到有冲劲儿的底鼓，爆裂的军鼓，雷鸣般的嗵鼓，还有声音闪亮的镲片。记住，这些指导方针仅仅是一个起点。一定要注意聆听，为鼓声和编曲整体服务，而且别怕去调整旋钮，并发挥你自己的创造力。
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waves插件：Van Halen混音师谈用Waves混吉他

Ross Hogarth是Van Halen、REM、Ziggy Marley和Keb’Mo’等等音乐家的制作人和混音工程师。关于如何运用Waves插件来完成创造性的吉他混音，Hogarth慷慨地给出了独家秘方：
给电吉他混音是件“形式与功能并重”的事。首先，我要决定的是歌曲中吉他的位置和功能。
混Eddie Van Halen的吉他Solo时，我喜欢加一些延时、加倍/谐波发生器，可能还会用到延时混响。首先，我喜欢用两个单声道延时，分别打到左右声道。我用的是Waves GTR的延时单块，整个操作有点Lo-fi而不是那么Hi-fi。左边用400毫秒延迟，右边用800毫秒，是个不错的开始。因为想让效果明显一些，所以先不用计算延时时间。随后，我再混合一点Detune定为+7/-7的Harmonizer，左右各用55毫秒/75毫秒的轻度设定。另外我还会用1/4音符时值来增加声音深度。使用H-Delay时，我经常调到Lo Fi模式来制造更暗淡的音色，同时还用高通和低通来限制响应。

当你想“软化”延时效果，并它赋予一些深度时，延时混响往往就有用了。我还是分别在左右运用两套延时，不过这时会一边定为附点1/8音符，另一边定为1/4音符，然后让它们返回到Abbey Road Reverb Plates之类的板式混响效果器中。同样，我还会在延时上用Lo Fi模式，并且用高通低通来限制延时频率响应。

有时候，在给一张唱片的特定吉他部分混音时，我可能会决定改变原有吉他样本的音色。我用GTR串联出一组效果链，就好像把单块都放在地板上那样。失真哇音是我的最爱。

给重型节奏吉他混音时，把Kramer HLS接入CLA-3A是我特别喜欢的做法。这源于我的模拟岁月情结：把Helios接进LA-3A。这个EQ的魔法就在于，你想推60Hz时，并不用真在旋钮做出增益调整。只是利用它本身的电路设计就能实现神奇的低频补充。然后，你再在10k位置做一个4dB的高通，增加中频来制造出音色的侵略感。这些我都是用CLA-3A来完成的。我想让吉他声音出位时，这些插件组合就特别受用。

J37 Tape是我近来的大爱。你可以尝试把它加在任何吉他轨道上，让声音更真实更有能量。另外，还可以加上API EQ，甚至在J37的延时基础上再做一点加倍效果。磁带和速度的不同设定会让结果迥然不同。

为了做出特别的移动声相延时，最近我还发明了让J37充当延时接入Brauer Motion的效果组合。它可以让延时在混音中左右跳跃。对于很长的吉他Solo和即兴，这种操作可以让声音像“捉迷藏”一样好玩。在模拟混音时代我就常把延时发送到声像器里。现在有了Brauer Motion，你就多了一个绝妙的创意工具。

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waves插件：我在海南调现场—Waves访音响师陈应霖

1995年开始做乐队，2000年初接触 In-The-Box混音用Samplitude 2496软件自学给乐队混音至今，作为少数活跃于海南音乐演出现场的音响师，人称“烧钱”老师的陈应霖一直在进行个人录音和混音实践，以及更多为乐队演出现场调音的工作。不只是在音乐设备上“烧钱”，还有时间和精力上的巨大投入，陈应霖在海南岛上“孤独并快乐着”，而身为WavesLive现场声音解决方案的忠实使用者，LV1无疑又是他“快乐”的最新源泉。以下就是“烧钱”老师陈应霖和Waves的故事。
我在海南调现场
海南的地理环境和气候和内地有很大不同，夏天根本没人愿意出门，都待室内吹空调。音乐氛围和演出市场和北上广没法相比。每年9月份到来年3月份的旅游旺季，几乎全是各种各样的会议，演出较少，而且稍微大型一些的演出都会从内地把整个音响团队和设备调过来。所以，在海南几乎没有本地设备租赁公司的市场，作为音响师也基本没太多演出工作可做。这样一来，本地调音师以及本地音响设备都几乎很少接触到乐队演出这类工作。
我本人也是因为自己曾玩乐队才形成今天这样的工作状态，初衷就是想为乐队演出带来更好的效果。常年浸淫在海南音乐环境氛围下也让我有了一种差异优势——多年来我都是给本地乐队乐手调音、录音。随着各种活动逐渐都用到了乐队，再加上当地会给乐队调音的音响师少之又少，我也就更多地从录音室走进了活动现场。
从“误解”体验到Waves正版铁杆
2003年后我开始有接触Waves，但当时都用的是破解的盗版，稳定性很差，所以之前对Waves的使用体验有很大“误解”，也有过很长一段时间的排斥。一直到2014年开始，我因为工作需要开始购买正版Waves插件。
前面说，我这边设备租赁公司都不针对专门的音乐商业演出，特别缺乏舞台上乐队所需的各种收音和处理设备。随着近些年乐队演出越来越多，我觉得自己亟需一套便携的，同时具备综合性能和用途的现场声音系统。
所以当Waves的LV1发布时，我感觉它就是为解决我的调音和分轨录音等需求而生的。早期为了能试听声音如何，我先买了MGO后来才慢慢买的软件，声音大大超出了我的预期。我也正是这样从破解版用户慢慢变成了正版支持者。随着时间的推移和工作标准的提升，我们做现场的都对稳定性要求越来越高，破解软件自然也就不在考虑范围内了。

LV1的触控王道
“烧钱”的Waves LV1系统不烧钱
从2016年初我就开始使用Waves的LV1系统。2014年之前一直使用SAC做调音台干活，但是音质和稳定性实在达不到自己的需求，所以LV1还没发布时就一直在等待一套理想的设备。
我目前的配置是：DigiGrid的MGO做接口，Antelop的Orion32做ADDA，还有MP32可远程控制话放。操作系统一直是Windows10，用Surface Book做备份和控制，两台戴尔触摸显示屏操作LV1系统，非常灵活的配置。整套配置价格并不很高。
我目前的工作主要是现场调音，同时分轨录音。Waves的LV1系统可以满足调音、混音、录音以及备份等所有需求，最重要的是它非常稳定，使用至今都没发生过任何大问题。而且厂家也一直在优化更新，做得越来越人性化。不得不说，这套解决方案是我接触过的做得最好的。
之前出去干活时，都只能用设备租赁商提供的各种牌子和型号的调音台，想要实现现在的这些需求几乎是不可能。如今无论大小演出我都会带上这套系统去工作，已经形成依赖。比如2017年春节期间在海南三亚有两个小型音乐节，这两场活动都有三到五支乐队要调，其中有唐朝乐队、零点乐队、指行者乐队、黑豹乐队和郑钧等等。我用LV1给他们调音非常高效，声音效果也令人十分满意。在现场，会有很多不可预知的情况出现，LV1功能非常完善而且具有DAW才有的灵活性，再加上相应的插件，可以很快速地解决很多以前根本不敢想的问题。

现场调得好！
“非常满意”与更多期待
我目前做现场主要都是乐队或者演奏会类型的活动。F6、PSE、CLA-2A这几个我最常用的插件，方便高效。这三个插件其实已经涵盖了动态和均衡最常用到的功能，无论是操作体验还是声音效果我都非常满意。棚里混音的话我用到的插件就太多了，实在没法逐一列举。

我觉得，Waves整个SoundGrid系统解决方案最好的一点就是，不需要在扩展上面有很高的投入，我可以比较轻松地实现通道和各种功能的扩展。我目前比较缺乏的就是一台配套的高品质接口箱，也非常期待后期可以兼容一些常用的协议，特别是有AES67这样的协议兼容就更好了。
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来自美国的John Harris是格莱美御用混音师，在业界获奖众多，同时他也是软件化混音的先行者之一。2017十月，他连续第二年受邀参与到《中国新歌声》节目鸟巢总决赛的现场，呈现了高水准的现场声音表演。Waves在Harris先生紧张忙碌的现场工作间隙对他进行了简短采访，请他分享自己的宝贵经验。
您在鸟巢给《中国新声音》混音感觉如何？
很棒，大家都各司其职，从调音台到扩声音响再到Waves软件，系统的搭建非常专业高效。所以，在这里工作实际上和我在美国没什么太大不同，原汁原味地重现了我的工作喜好。鸟巢是个超大型体育场，中国又有那么多热情的音乐观众，所以这其实也是我的一堂实践课。
从我所在鸟巢的控制室里，我用Lawo前级录制多轨，反复回放排练录音来推进混音工作。控制台里装载了Waves的SoundGrid系统，再加上Genelec监听和Dolby技术的支持，让我对声音有了很大信心。
作为到处旅行工作的混音师，您有没有什么“标准化”的工作流程？
我大多数是和流行乐队和摇滚乐队一起工作，我的动作会非常迅速。没人会花上五分钟时间等着调地鼓，其他乐器也一样。事实上，我在整个乐队上只用五分钟。我会用Waves的CLA-76给地鼓、军鼓和贝斯做调整，还有H-Reverb的各种个人化预置。在总线上,我把SSL G-Master Buss Compressor接进L3。我有很多基本参数设置，也就是说，在乐队开始演奏前，我就会对将要用到的东西有个大概想法——比如在既定的增益下，哪种压缩给哪种人声用最好。之后我再进行精调。
您有着极其丰富的大型音乐活动混音经验，比如格莱美奖典礼。在您看来，对于一个现场混音师来说，什么特质是工作中最为重要的？
速度。你需要能快速决策，快速实施，既保证质量又保证速度。比如格莱美演出时，当线路检查完毕，乐队已经开始演奏时，你的工作就得差不多完成了。
在您看来，现场混音和录音室混音最大的不同是什么？
现场混音你靠的是直觉。没有时间等你听完整首歌，听清每个部分，也没时间去精调。通过年复一年的工作，通过聆听的经验，我形成了一种直觉性的判断力。最开始做现场这行时，我还想反复混音调整，但时间上根本就不允许，一旦开始录音就不可能再停下来，所以这种紧迫感也帮助我锻炼了技艺。
我想这也是我最不同于别人的地方——很高兴我是这样，我也爱这种工作方式。如果要我在棚里重混一首歌，二十分钟内都搞不定的话我想我就“麻烦”了。我不会为套鼓声音花一下午时间。一首歌听过五遍，我就非常清楚我要做什么了，所以最后整个工作时间大概只会花个十分钟。
对于混音，包括一些现场预料不到的情况，您有什么秘密武器吗？
人声效果链。我用Waves的Renaissance DeEsser、C4、Renaissance Vox，再进CLA-76。DeEsser和C4我预先设成旁通状态，需要时再开。这条人声效果链能给我的人声带来强有力的表现力，还可以增加压缩感。它就像是我的“瑞士军刀”。
给流行乐和摇滚乐混音最难的就是人声。人声永远都是个未知变量，你不知道会遇到什么情况，吉他、贝斯、军鼓相比之下则不然。所以提前为人声做好准备，你就可以应付任何状况。很多时候，我要在90分钟内混14首歌，速度非常快，因此我需要预先把我的一些东西安排好，作为混音的出发点。

Renaissance DeEsser齿音消除器

C4多段压缩器

Renaissance Vox人声压缩器


黑白双杰——CLA-76压缩器
您之前在某个采访中说过，您的混音98%靠的是Waves？此言不虚？
用D-Control时是这样，Waves的使用甚至达到99.5%。现在少些，因为我目前用的Lawo台子里内置了均衡器。除了刚说的人声效果链，我90%的动态效果和全部的混响用的都是Waves。
我想CLA-76是我用的最多的插件，鼓、吉他、人声上都能用它。而Renaissance Vox跟它配合更棒。用插件，不是说你只需要某个就OK了，而是要考量各种插件效果的相互关系。
话说您当年是怎么从硬件转向软件的？
我大概从2003年左右就放弃了硬件，全部转向软件。格莱美颁奖晚会是个巨大驱动力，因为它的要求越来越高。你需要在非常有限的时间内调整上千个参数，即便你是个超级硬件高手，也越来越难应付不断更新的现场需求。
在把整套软件配置系统搬进演播车之前，我们先在录音棚里试验了几个月。Avid提供了全方位的支持，派工程师跟我们对接，解决各种问题，在格莱美现场还安排了一套备用设备以防万一。当时这都是很新的技术，没有人敢只用软件设备干这个活儿，所以让电视台方面都既惊又怕。我们当时也算是勇敢的尝试者。
当然，当年我也只是用Waves的一些基础插件和Avid原生插件。那时音频插件刚盛行起来，还远不像现今这么丰富多样。

Harris正在调试强大的H-Reverb混响插件

今年是Waves公司成立的25周年。您对Waves未来产品有什么期待？
是啊，我也刚意识到Waves已经25岁了！Waves经常推出很有创造力的插件，我也很乐于在自己的应用中尝试它们。现在，大多数美国电视都是5.1环绕声的，而我现在用的一些插件还不支持，所以我希望今后能有更多这种插件。
最后，您对中国声音工程师有什么良言建议吗？
我在中国遇到的每个音频人的能力都很强。我对大家的建议就是：千万不要死板地循规蹈矩，别一味地追逐别人已有的声音。大家要多去试验，多去追求和发现自己想要的东西。一定要跟随你的创造力和直觉，学会自信地独立思考！
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waves插件：Mike Patton的插件怪奇用法

插件使用方式到底有无对错之分？对于歌手、制作人、电影作曲家Mike Patton来说显然没有。他在Faith No More、 Fantômas和Dead Cross的专辑里都有着非常特殊的插件使用习惯，在Netflix最新改编自Stephen King小说的电影《1922》的原声音乐里依然。
我不是，也从来不是一个传统工程师。这个时代，每个人都必须随时调整不断学习。
我是个“乱用设备”的高手。也就是说，为了重现脑海中听到的声音，我可以为所欲为。Waves插件就特别适合我的弹性思维。
使用插件，没有所谓的“正确方式”。信不信由你，我常常用插件来处理整个音轨，而不是“穿插”着用。有点奇怪吧，但对我行得通。
下面就是我最爱用的一些插件，我会讲讲自己喜欢怎么用，在哪用，已经它们对我的“救命之恩”。

dbx 160：这个插件我不怎么当压缩用，故意而为——但会更多地用作失真！它有两路通道，很适合“压榨”音轨用，绝对一头碾压型怪兽！我特别喜欢把它用在鼓和打击乐上。我也有硬件版dbx 160，不过更青睐插件的，毕竟方便了许多，不像硬件要操心这个操心那个的。
Doppler和Doubler都是用于实验的有趣插件。Doppler众所周知是个声音设计插件，不过我把它用在Faith No More和Dead Cross的人声上，以及一些单音吉他旋律上。这个组合有点难描述，但它能在某种程度上创造出一种3D的深度。

需要Slapback延时效果时，Eddie Kramer Effects Channel是首选。在《A Perfect Place》的原声带中，它无处不在。比如某个黑色电影或大乐团的场景片段，我把它用在号和吉他之类的乐器上。当我不想跟老式磁带回声和它们的噪音纠缠时，Z Slap和H Slap功能一击必杀。
J37这个磁带模拟插件几乎能用在任何地方。我会在整个立体声混音中使用，让声音听起来像是在温暖的壁炉边录制的。
JJP Guitars是个精巧的后期工具。我用在过不少原声音乐中，特别是《The Place Beyond the Pines》里有很多有代表性的吉他。这个插件能够帮助清理浑浊的吉他，让吉他声音更容易融入到主题旋律或和弦进行中的某个特定频率里。

OneKnob Series大旋钮系列插件，对于像我这样爱挑战混音工程的人来说是天赐的玩意。OneKnob Brighter、Driver、 Pumper都很容易调节，每调一下都能让我会心微笑。你知道那种在插件上调整参数时不停点鼠标，同时等待奇迹发生的糟糕感觉。再糟不过了。而大旋钮绝不会这样！
Greg Wells PianoCentric虽然是为钢琴设计的，但我会用在很多地方。想让数字采样音频“脏起来”是，这个插件特别有效，能够带给我一种“地牢”般的氛围，非常实用。Greg Wells VoiceCentric也有类似的魔法，我也不拿它用在人声上。事实上，这俩插件都有着特大的旋钮拨盘，立竿见影疗效快！

X-Hum和X-Noise：如果你用的是带点噪音的音箱或弹簧混响之类的老式设备，这俩插件可以救你于水火。在我给Netflix的新片《1922》录制原声带时，它们不可或缺。音乐是极简主义的，所以每段乐器演奏都承载一定的重量、力度和态度。这两个插件能给Mellotron琴和诡异的提琴音轨赋予新的呼吸，帮了大忙了。
最后，API 2500插件我经常用来在中高音域来提振人声。原版硬件我也有，但插件用的更多，因为它有着你能从API上期待的所有锋芒。在《1922》原声带里，我用API 2500来去除贝斯低频和打击乐上不想要的“臃肿感”。比如在我处理大提琴时，API真能勾勒出乐器的表情。
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waves插件：Waves讲谈实录:从CLA系列实用技巧到Waves大师签名款插件(下)
再换一位大师来举例，Greg Wells他的签名包属于比较新出的，而他的工作方式就跟CLA完全不一样。首先来了解一些他都合作过哪些大牌艺人：Adele、Katy Perry、Twenty One Pilots、Keith Urban、One Republic、Deftones、MIKA。如雷贯耳的Adele，格莱美常客。
Greg Wells（以下简称GW）大师的插件包操作起来就非常简单，基本上都属于一个旋钮搞定的类型。先来看看GW MixCentric。

同样是命名为Mix类的插件，顾名思义是可以让我们挂在总输出用的了。但操作方式却如此简单。
这就代表了GW本人的一种喜好，也可以称为习惯。那么我们在理解上可以认为，插件里融入了GW的一些惯用总线处理手法，最终呈现的是一个旋钮，来给我们改变处理的强度。其中也许包含了复杂的压缩、EQ和饱和等等处理中的一样或是多样。

而PianoCentric就更有意思，体现的是GW对钢琴混音的一些理解和特殊玩法。
旋钮向右，钢琴声音逐渐变得明亮而饱满，声音体积变大。旋钮向左，钢琴声音逐渐变得越来越暗，越来越薄（偏向于保留中频的一些内容），有点类似Lo-Fi的钢琴效果。
再配合上旁边适当的Delay或Doubler调节，让钢琴声音独特而有个性。有时你会碰到棘手的钢琴轨，不知道怎么处理吗？不妨试试GW的这个钢琴插件。
另外还有几个不错的大师签名款插件推荐，它们是建模了大师手里常用的一些经典模拟硬件，因此也作为大师签名包一起发售。比较为大家熟知的有，CLA-76（建模1176，有蓝色和黑色2种不同版本选择）、CLA-2A（建模LA2A）、CLA-3A（建模LA3A）、Scheps 73（建模NEVE 1073）等等。
其中比较有意思的，也是我推荐大家尝试的是 Eddie Kramer这位老爷爷的几个尖货。他合作过的一些艺术家也是历史上相当有名的。Jimi Hendrix、Led Zeppelin、Kiss、The Beatles、The Rolling Stones、David Bowie，还有Santana。
除了上述类型的、针对不同乐器的一体化处理插件以外。Kramer还有 Kramer Master Tape、Kramer HLS和Kramer PIE。
Kramer Tape应该不少人都用过，是一个磁带模拟器。而Kramer HLS 是建模Helios（一个非常老的调音台品牌）的通道条EQ，Kramer PIE也是一个非常经典的老式压缩，名字就叫PIE。

Helios的通道条，在插件上能见到的不多。某著名DSP音频处理开发商有Helios建模的插件。其实，Waves也有。 Waves的版本不仅建模了EQ部分，而且对于底噪、电流声、话放和线放的失真等等细节，都有照顾到。并且这个EQ的染色也属于非常特别的一款，推荐大家有时间可以玩玩。另外，这个EQ的低频段在不做任何增益的情况，只是选择频点，也会有低频提升的染色哦。

接着看看Kramer PIE，它的操作也非常简单，压缩的风格有点类似于VCA压缩，但声音更温暖厚实一些，Vintage的味道比较浓。这两款插件都很适合电声乐队里的三大件（鼓、贝斯、吉他）处理，结合Kramer大师的履历也不难看出。在处理相似风格类型的音乐上，都可以多做尝试。
另外：这些插件里提供的噪音开关，个人推荐是把他们都关闭（往往插件默认是打开的）。因为在多轨、多插件叠加使用的情况，有可能会造成底噪的明显增加。而数字插件的一大优势在于，它在给我们带来忠实的建模、经典的音色同时，也能让我们随意操控底噪的大小。在得到了经典声音的同时，还能得到更干净的音质。
最后一个话题，也是稍微往深处一点的拓展，特别对于纠结于这些插件内部到底做了些什么处理的朋友。
上次芦超老师分享的使用Q-Clone EQ建模插件来进行EQ曲线的采样和分析，是非常实用的技巧，也是让更多用户去了解更深层次东西、自己加深研究的一个好途径。在此先给芦超老师点个赞！
前几天看到有朋友在群里问，Q-Clone挂上去没有反应，不知道怎么设置，在这里稍微提一下。

这个工作，需要两个插件的配合：
1.首先挂上Q-Capture（Q捕捉），这个插件只有一个Mono版本，通过发送和接收返回信号来测试目标EQ的曲线。
2.我们需要给Q-Capture形成一个有效的回录（Loop）才能让插件正常工作，因为它发送的信号，也必须让它自己接收到返回信号才达成分析的结果。也就是Waiting和Transmitting必须都有信号出现才行。因此这个回录，就需要我们手动在DAW里设置出来。在Pro Tools里非常方便，直接打开一个AUX，把输出指定好，再把输入指定到自己身上，就完成了。但有一个例外就是，某些DAW的设计里不允许自身出现无限循环的Loop，这就稍微麻烦一些，需要我们把Q-Capture插件里发出的测试信号，先用内录的方式录成一轨（长度随意，不要太短就行，比如10秒），然后循环播放这轨信号，让测试信号通过需要测试的目标EQ插件，再在后面挂上一个Q-Capture就行了。（注意，Q-Capture插件只允许同时存在一个！）
3.回路做好了以后，直接打开Q-Clone，在插件里选到左边Capture项目，就能马上接收到EQ曲线信息了。在调整好以后，选到HOLD，让参数保留下来，这时候还可以储存预制文件，供以后使用。
这是针对软件插件的测试研究方法。在实际的运用中，Q-Clone这种黑科技还可以用于混音。我们都知道，它是用来采样EQ的。那么它肯定也可以采样模拟硬件EQ。尤其是当我们的硬件数量有限的时候，Q-Clone能帮上大忙。
将Q-Capture信号从声卡的空闲Line Out路由出去，连接一台手里的硬件EQ，再将EQ的输出从声卡的Line In返回到DAW里，可以直接将硬件曲线采集下来，得到硬件EQ的声音特性。经过对比发现，相似度极高。
更大的好处在于，即便我只有一台硬件EQ，现在我也可以在整个混音工程里用上它了。只要把每轨调整好的参数给记录下来，保存下来，就可以了。在需要修改参数的时候，重新去捕捉一遍，或是使用插件上的Add功能，去增益或者衰减现成的曲线就可以了。
更厉害之处在于，Q-Clone还支持叠加多台EQ形成的曲线，同样也是利用Add功能就能实现。
群友：问下老师，设计Noise的目的是什么啊，我以前以为我关掉是错误的？
老师：硬件设备因为电路设计、电路元件等等问题，无法达到完美的程度，不可避免的会有一些底噪存在，插件里的Noise是模仿这些底噪的，但实际上这些底噪我们未必需要。
反过来说，有些时候可能也会觉得加入一点底噪更好，那么其实也可以开着。但轨道一多了，大家都开着Noise，底噪就容易泛滥。
群友：请问老师，像LA2A这样的光学、1176这样的压控压缩，能否通过类似Q-Clone的软件读出压缩曲线？
老师：Q-Clone是专门针对EQ的一个采样插件，只采集EQ的曲线，无法采样出压缩的曲线。同样有一些EQ里自带独立的饱和失真旋钮，Q-Clone也无法把这种失真特性采集下来。
有一些压缩器，会对频率响应进行改变，Q-Clone里也许能在曲线上反应出这种频率响应，但实际上只是频率上的事，而不是对压缩特性的采集。具体您可以试试看。
群友：关于先在总线上挂好这个CLA Mixdown，再开始混音的操作。想请教，压缩EQ 染色功能都只是打开状态，还是需要一定的调节？
老师：可以打开放在默认状态，根据CLA的说法就是“Set and Forget”，让你过后忘了曾经挂过这个插件。我个人的感觉就是，如果整体混音电平处于正常范围内，这个插件对整体的一个融合作用还是非常好的，也不会显得过度夸张，整体处理得很自然。在混音完成以后也可以做一些相应调节。
这次的分享就到这里。大家有什么问题我们可以多多讨论，也希望大家以后可以经常交流经验和技巧。艺术没有对与错，多样性永远是主流，多学习、多尝试、多沟通交流是让我们进步的最好途径。谢谢大家。
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waves插件：Waves讲谈实录: C6、F6和Vitamin插件（上）
老师：我先简单介绍下自己，我叫符亮。之前一直在央视做录音有13年，今年（2017年）离开央视来加拿大探索新生活了。我一直是Waves的铁杆粉丝，今天就让我发挥下余热和大家做个技术交流。
C6、Vitamin和F6都是我非常喜欢的插件，本想简单说说使用心得， 结果一看，群里都是大神级的人物…..在此就抛砖引玉，大家一起探讨。我先根据自己的理解将今天要讨论的三个插件的特性总结了一下，供大家参考。
C6 Multiband Compressor多段压缩器

C6是在完全继承C4功能的基础上加入了两个浮动频段，同时添加了侧链功能，从而可以一次性处理人声和乐器的声音塑形，多适用于录音室及后期制作。
多段动态处理器使用交叉滤波的方式对声音进行分频处理，由于其处理的频率范围较宽，多适用于类似Master的全频段整体信号处理，针对需要对各个频段动态特性使用不同时间参数以进行优化和调整的处理场景。
C6的两个浮动频段可以视为动态均衡器，可以进行更为精细的声音处理。
Vitamin Sonic Enhancer多段谐波增强器

Vitamin是一款多段谐波增强器和音色塑形插件，把它加入到单轨或总线之后，立即传送出可以媲美平行链均衡、压缩、饱和度处理的温暖而充满活力的声音，同时又避免了平行链处理可能出现的一些问题。
Vitamin适合对有缺陷或缺乏活力的声音进行补偿和润色，并可以进行整体的冲击力调整以及各个频段的立体声声像宽度调整。
F6 Floating-band Dynamic EQ浮动频段动态均衡器

F6可以当做均衡、压缩、扩展和去嘶声处理来使用，不论是混音还是母带处理，录音室或现场，它都会是终极解决问题的工具。这个动态均衡包含了6个浮动、参数完全可调的滤波频段，每个频带上都包含了先进的均衡处理和压缩/扩展的动态控制。
F6适合对多个单一频段或频点的音色及动态做精细调整。通过EQ和动态处理结合的方式，对各个频段中过多或过少的能量进行有控制的补充或衰减，适用于类似嘶声处理、近讲效应控制、控制中低频以提升清晰度等场景。
由于具备更为多样的均衡处理方式、MS模式、平行处理功能，尤其是它零延时及突出的相位特性，F6在现场使用的多数场景中基本可以替代C6。
群友：老师，动态EQ和多段压缩，他们的原理和区别、用途，主要体现在那些地方?
老师：Ok，那我先简单说一下我的理解。先说多段动态处理器吧，其实说实话C6并不是一个传统意义上的多段动态处理器，我们之前接触的C4才是，以往的单段动态处理因为对全频段使用了相同的Attack 和Release等事件参数，对不同频段的声音其实是采用了相同的处理方式。这样在处理比较丰富频率的声音的时候就有点简单粗暴。因为低频和高频波长和频率特性，要求动态处理的时间参数也会有很大区别。比如Bass和底鼓以及吉他和Hi-Hat在压缩上肯定是非常不一样的，但是如果要对它们的混合信号同时进行处理，就要用多频段动态处理才能满足。传统的多段动态处理，功能大多在于此。
而C6其实是一个传统的多段动态处理和一个两段浮动动态均衡的结合体。多段动态处理器的一个重要特点是有分频系统，而F6实际上是6个浮动频段的独立处理器，这个是有很大区别的。
如果单纯从名字来说，C6是多段动态压缩器，F6是浮动频段动态均衡器——一个是压缩，一个是均衡。
但其实它们都远没有这么简单，都是集合了均衡和动态处理功能的多功能处理器。具体怎么用它们，就看你怎么习惯了。
群友：我能很好的理解多段压缩，但是动态EQ就不太了解了。它们不是一个东西，区别又在哪里？
老师：看F6的功能，其实主体功能和C6的里面两段浮动的处理部分很相像。但是它的可调参数和功能更丰富。F6具备了C6不具备的MS、平行处理等功能。F6其实可以看做是一个静态EQ和动态EQ的结合体。
动态EQ按名字来说它是个EQ，其实本质上它还是个动态处理器，这是我的理解。只不过它的动态处理是在一定的频段内进行的而已。根据我对F6的使用理解，要么它的EQ是和Q10一样的静态处理，要么是和C6浮动频段一样的基于固定频段的动态处理。
我理解是，多段压缩面向的是丰富频率声音的整体处理，比如母带处理，人声，鼓组等等，而动态均衡面向的更多是一个一个单独频段的精细处理。拿一幅照片作比喻，多段压缩注意的是整体色调，多段压缩可能只是调节其中一个部分的色彩。
群友：比如作用在人声上，我可以用F6静态的一个频率去降低低频，也可以用F6 的另一个频率去滤除一些齿音之类的？
老师：是的，F6的功能强大之处就在于此！
群友：符老师，之前有篇文章说：“多段压缩器采用的是交叉滤波，对频率范围的影响较宽，而动态EQ则可以让你具体到某个精确的频率再做提升或削减。”就是您说的意思吧？
老师：嗯，是的。多段动态交叉滤波的概念就是面向整体，动态EQ的就有点面向局部。我们也知道交叉滤波对于声音的相位是有很大影响的，因此最好不要在每个轨道上都用这样的处理。而F6就不存在这样的问题。
群友：我来帮符亮老师发个图，其中被我拉起来的两个点，就是符亮老师说的 C6里那两个浮动EQ （大家注意我鼠标的位置，它是有FREQ 和Q值的）。

动态均衡和压缩，可以这样通俗一点的方式理解——虽然不准确，但是可以用——两个的区别一个是动音量，一个是动了动态。符老师，可以这样理解么？

老师：其实两个都同时动了不同频段的增益和动态。但一个是面向整体的，一个是面向局部的。

画红圈的部分其实是传统意义上的多段动态处理器，具有分频网络和较宽的Q值，处理的是范围比宽的部分。没法进行很精细的处理。

再看F6，画红圈的部分其实是和传统静态EQ的地方一样的，只调这些和用Q10没有本质区别。

而上面这一部分才是动态的部分。
群友：Range感觉像压缩比？
老师：Range理解就是控制它是进行压缩还是扩展处理。也不是简单的压缩和扩展，应该是对所选频率进行多少增益和衰减处理。
群友：在C6里又有Gain又有Range，有时候会迷糊。
老师：对，其实C6里面的Gain就是相当于静态的EQ，Range是动态的。还是那句话，说白了F6的功能其实是和C6里面那两段浮动的处理器功能是一样的，只不过功能更丰富。但是Range和压缩比是不一样的，Range是个绝对数量而压缩比是和其他参数共同作用的。
未完待续。。。。。。
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waves插件：Waves交流群实录—“现场混音大赛”技术分享(中)

芦超：我做了2个版本，1个参赛版，1个“小清新版”。先说下为什么做了两个版本。在接下来我会说到一点点的英文单词，并会对其做翻译解释，这样可能更有助于大家的交流！
首先，这是现场混音比赛，听到这首歌的分轨的时候，我觉得歌曲本身具备两种可能性：1、做得很现场（乐队化）2、这是个摇滚乐队唱的流行歌，歌曲本身具备很高的情感性。因此，我的第一反应就是这两个版本：1、Aggressive（激进、刺激的） 2、Emotive（情感化的）。
我想不太多说关于技术手段的处理方式，而是说一点怎么塑造两种风格取向的内容！
Aggressive和Emotive本身不是音乐风格，而是情感表现形式！也就是希望听众听到后的感受！
先来说下Aggressive：Aggressive=激进的，刺激的。我们不多说虚无缥缈的，直接进入技术实现层面！ 要做到Aggressive，有两个重要的因素：Attack（包括低频和高频）和中高频要做加强。解决好这两点，作品的呈现形态：歌曲的行进会以稳定的律动为主导（尤其这时候的Bass更像节奏部）。当然听众会下意识地淡化对歌曲本身的歌词和情感方面的关注度。
Emotive=情感的表现！要做到Emotive这样的，要弱化Attack（包括低频和高频），高频要做适当减弱！做到Emotive，歌曲的律动会以伴奏乐器为主导（吉他、Bass、键盘等），因此会给听众以错觉——“歌曲变慢了”。当然听众也会下意识关注歌曲本身的歌词和情感方面。
但是Aggressive和Emotive 是根本无法共存的，制作的时候只能是取舍关系！
之所以提交的参赛版本选择了“刺激”的版本，也是考虑到现场混音老师和观众的喜好！就像群里一位老炮儿老哥讲的：国内观众目前对艺术的认知还处在“唱得真高，声儿真大，画得真像”这个层面，所以观众到现场是要听到的鼓是Nickelback乐队这种听感，而不是原声鼓！
为啥又做了“小清新”版本，原因也是这个歌曲本身具备这种可塑性，加之这个歌曲在我个人看来原本应该是这种风格的。而“小清新版”也更接近唱片的感觉，适合在日常播放设备上听！
当然了，这个风格的塑造肯定是靠Waves来做的。
至于大家喜欢哪一个，和所谓的“参赛版”是否真的就是适合参赛，我个人并不确定，只是抱着尝试和交流的态度来做这个事情！
接下来是关于技术手法的问题，大家交流吧！ 至于为啥我做的这个Mixing感觉“干净”，主要归功于F6的分频率Sidechain。
至于整体歌曲高频的定位，我个人喜欢是以HH为参考依据的！基本确定了HH的频率之后，整体歌曲的高频基调就定下来了。定这个基调，也是决定Aggressive和Emotive的一个重要分割线。

混⾳设备：调⾳台Yamaha QL5裸混⾳箱：L-Acoustics 112P录⾳放⾳DAW：Logic⾳频接⼝：Dante DVS混⾳环境：中强度吸⾳录⾳间
大O：首先是在录⾳棚缺少现场空间感和氛围，缺少⾃然混响。分轨出⾃录⾳室，缺少现场环境素材，感觉很难适应Live⼤声场操作。所以混⾳并没有做到⼤声场的效果，也和我对混响的使⽤不精有很⼤关系。然后对歌曲理解，是对梦想的追求略带悲伤，温暖⼜⾼亢。中速，配器丰满，曲⻛偏流⾏。所以在现场我不会做太多的冲击感和刺激感，以温暖和丰满为主。不⾜之处很多，请⽼师们多指教。
⿎组：使⽤⼀对⽴体声编组进⾏⾼电平控制，⼀对⽴体声编组做平⾏压缩。Kick用Gate稍微弱化音头，只保留部分敲击感，主要突出⾃然衰减部分，配合EQ做⼤饱满度，追求和Bass的粘合度。Snare用压缩强化⾳头，调⽤多段压缩控制基⾳，叠加粉噪声增加清晰度。Tom Tom利⽤Gate和Comp重塑包络，⾳⾊追求⾃然，稍微削弱了⼀些起振和清晰度。Hi-Hat主要⽤来定位声相，因为吊镲话筒中串⾳已经很多。OH调节过程基本上是针对串扰，分别调⽤多段压缩控制底⿎和军⿎串⾳，但最终还是严重影响了⿎组的⽴体声声相，我还要努⼒学习处理技巧。
Lead（主唱）动态⽅⾯，先Comp平衡⾳量，然后调⽤四段Comp处理，Low控制喷⻨，但不削弱低频饱满度；Mid low控制⼝腔浑浊声，但不削弱冲击⼒；Mid high控制⼈声唱⾼⾳时过强的中⾼频和部分⻮⾳，High消除⻮音。Lead最后用76 Comp强化⼀点⾳头。Lead的EQ在压缩后，衰减中低频浑浊的声⾳，4k左右衰减部分⻮⾳，10k左右提升声⾳磁性。
Bass 1号Comp平衡⾳量；2号Comp加⼊微弱失真使⾳⾊更暖；3号使⽤3段Comp控制⾳⾊均衡，0-75hz-300hz-20k分别控制⾼中低频的平衡；4号76Comp强化⾳头和⾳染。
E.Gtr使用Gate扩展主歌和副歌两个段落的⾳量，事实上演奏过程中副歌和间奏2的时候我有推⾼2db推⼦。EQ调整清晰度。A.Gtr用Comp强化⾳头，2号Comp平衡⾳量，EQ调整清晰度。演奏中A1和B1主歌推起3db让A.Gtr更靠前。

调音台：Midas M32音箱：ADAM A7X分轨回放DAW：Cubase 5场地：乐队排练室
温小迪：拿到分轨我先听了一下整体，Pan了一下，还有匹配一下各轨音量。觉得分轨质量较高，特别是乐器部分。结合M32可用手段不多，所以一开始我奠定的混音基调就是解决一些主要问题，而不是美化。均使用M32自带效果器，无外置Plug-ins和辅助硬件。
一开始我的着重点是并不对称的OH，左右OH的Kick区别太明显，如果并轨处理，Pan开OH之后，Kick会明显偏向一边。所以开始我就给OH其中一边Kick串音较多的部分使用了多段压缩，希望能把多出的Kick修得和另一边差不多。混音后期的时候我放弃掉了这个动作，因为M32的多段压缩只能工作在Fx send机架里，需要手动改成Ins。
但是为了突出尾段Vocal的安静段落营造差异感，我需要一个Delay，Fx send只能用4个，没办法，Vocal rev、Drum rev已经用掉三个Fx send，我只能做取舍，于是我重新回头用EQ再次单独修正了不同的OH。
Bass声部，我觉得是故意的，因为我自己是个半吊子乐手，Bass也常玩。这个Bass在500hz以上的能量太少了，按我的理解，这不是一个正常该有的音色。要么没调好，要么被主办方故意切了高频。所以我在Bass的中高频做了一个很大的搁架EQ。随之带来很大的底噪，我做了个Gate。事实上演奏中这个底噪带来的困扰并没有太大，利大于弊即可。
我在鼓组使用了大量的平行压缩，特别是军鼓、底鼓。其实并不是我本意，但是M32的Fx实在有限，为了快速地让鼓组跳出于整个混音，只能出此下策。结果是在最后B段大反复的时候，其实频率遮蔽是较为严重的。但是总无完美，手头的工具就是如此，尽力而为。只要做了比没有做能带来更喜人的变化，我觉得这就是Mixing美学的根基吧。
这次Mixing对我而言最大的挑战是Fx太少。很多想法无法实施，比如我只能让整个鼓组共用一个Rev，Vocal共用一个Rev。一个Room、一个Plate、一个Hall，要做出段落变化与层次，实在是没效果器可用了，于是除了中间那段安静的Vocal使用Delay，其他所有原本打算做的变化我都全部放弃，保证整体是第一优先。
我没有使用侧链。因为这多少对造成一些声部间的抽吸感，这个编曲在这方面对我而言并没有太严重的问题，秉着能不动就不动的原则，我把主要精力都放在了EQ上面。
因为最难处理的Kick、Snare、Bass我都使用了非常夸张的并联压缩，所以音头的控制基本上我没有太刻意去纠结。能比较不费力的听清楚演奏，对我而言就算及格了。
Snare bottom我只使用了一点点的量，这个军鼓下声部不是我的菜，为了让整体更干净一些，我只是用了一点点。HH声部我整个放弃掉了，因为OH已经足够，推上HH对我而言是画蛇添足。Toms和OH有明显的延时，一起出来的时候梳状滤波较为严重，所以我把Toms的轨道用混响藏在了后面，以减轻这种不和谐的听感。
（未完待续）
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waves插件：Waves讲谈实录: 音乐中的宽与窄
本期主讲老师是职业吉他手和编曲人谷粟老师。

老师：大家好，我是谷粟，今天很荣幸受到Waves的邀请，跟大家交流一些音乐的东西！
我想先简单介绍一下我自己的经历。我是1999年开始接触电脑音乐的，那时候我还在做乐队，有个朋友用他的电脑帮我们录制了Demo，当时觉得这个方式真的很方便。于是我就在2000年的时候，买了奔腾733的电脑和Cakewalk 6.0，开始了自己用电脑制作音乐的人生序幕。我记得很清楚，那个时候拿自己做的东西跟人家比，觉得有一件事情百思不得其解——那就是人家做出来的东西听起来很宽，而自己做的就显得很窄，没有立体感。那个时候还在老家，跟几个朋友研究半天，也最终没搞太明白。所以，我记得那个时候很大的一个印象就是，想办法把音乐做得比较宽。为什么说这段经历呢，因为我今天讲的话题就是“音乐中的宽与窄”。
我之前想了半天，因为交流群里很多朋友都是音响界的老师，我想要讲的东西，大家也能够有点用处。很多话题大家已经讲过了，所以我想结合我自己的专业就讲今天这个话题好了。现场音响方面不是我的专业，如有讲得不对的地方，也请各位老师指正！
我记得，那个时候，我一次琢磨出来一个让单声道轨道变宽的办法就是：复制一轨，然后把另外一轨向前或者后稍微挪动几个Tick，然后左右把Pan打开，就出现了一种“立体感”。
当时主要就是琢磨，怎么把窄的信号变成宽的，研究了很多办法。比如，录进去的单声道信号——单声道的干信号听起来很窄。其实刚才说的那个方法，确实会让单声道听起来变宽，可是问题就在于，听起来会有一种明显的Chorus的声音效果，有点像加了吉他的Chorus效果。虽然宽是宽了点儿，可是不好听。后来，慢慢学到了越来越多的方法，比如，乐器可以再搭一轨相同的，左右Pan开，可以加某些类型的混响器等等。下面我就逐一说下。
我们的立体声有两只Speaker，当两个Speaker是同时发出完全相等的信号时，这时候听起来是没有立体声宽度的，我们耳朵感觉到的声音也就像是同一个声源发出的。所以，当一个单一信号从左右声道发出时，如果发生了一些左右的不同变化，那么就会听起来有“立体感”了。这些变化包括，左右声道声音发出到达耳朵的时间值不同，音高不同，频率响应不同……等等。总之，左右发生了一些变化时，就会让原本单一的声源听起来增加了宽度。这个是我自己的总结。
比如，我们加入Chorus或者Flanger之类的效果，会发现声音变宽，而它们的基本原理，正是使用了音高的周期性变化，而使得原本的信号听起来更宽。

在这里我想特别的介绍一下一个Waves的老插件，Doubler 2和 Doubler 4。这个插件，其实就如同它的名字，就是让原先的声音加倍。我们录音的时候，经常说 Double，就是说把相同的东西再录一遍。Doubler这个插件，基本上就是这个意思。
一开始使用这个插件时，我觉得效果并不好，因为很多时候听起来会感觉有些像Chorus的效果，虽然宽是宽了点，但是会让声音本身变得不自然。后来，我改变了它的使用方法，发现它其实真的很好用。
首先，我使用它的最大改变是不再用Insert 的方式，而是使用Send/Return——就跟混响一样，放在Send/Return里面。然后，在具体调参数的时候要注意几点，通常：
我会把Direct按钮关掉；
把两个Voice的Pan放到-45和45；
在Delay这一栏，调这个点时候，一定要先打开一个Voice，并且将Send开大一点调节，目的是找到一个数值，不会让Voice信号和原信号出现反相的。因为每个Voice等于就是原信号复制的轨道，因此有可能出现反相。通常两个Voice，要是不同的Delay数值，会听起来更好。等确定好没有反相的情况发生时，再将Send拉回正常数值；
Detune这一栏，就是将原信号做音高的调制。前面说过，音高的不同同样会产生立体声感，后面的Depth和Rate都是这个效果的另外两个参数，“深度”和“速度”。
我现在经常将Doubler挂在Send通道，然后我觉得送给人声是很好用的，但要注意，Send的量一定要控制好。我通常边听边送，一直到刚好有立体声效果，但又不会出现Chorus声的点。Doubler很方便之处在于，右上角还有一个两段EQ，你可以把低频切掉一些，高频多加一些。因为我们知道，低频的声音位置指向性比较弱，高频的声音指向性更加明显，同时也为了不让低频的部分听起来太糊。所以通常我会这样做。
另外一点，我想说一下混响。混响的作用，当然大家都知道，但是我主要侧重一下今天的话题——宽与窄。大家都知道，混响也会让声音变宽。但是我要讲的还是一个老插件，Waves的TrueVerb。首先，混响的Pre-delay是非常重要的，通常我们听到声音的宽与窄，Pre-delay起到了很大的作用。别看它只有几毫秒，Decay可以到好几秒，但是Pre-delay却是起到了潜移默化的微妙作用。

在做人声的时候，我也会用到TrueVerb。如果大家使用的是正版的话，在预设菜单里就会有一个“Vocal Spread”的预设，这个预设非常的好用，你会发现它的Decay非常短，只有0.5，而且你其实可以调到更短。使用方法也是Send/Return，记得要把Direct关掉，另外Early Ref一定开到最大。使用的时候，边听边慢慢送，一直送到一个舒服的位置，不要有明显的不舒服的听感。通常，有一个位置，会听起来原信号变宽，并不影响原本声音音质的点，所以这个点需要大家在实际操作中慢慢找。TrueVerb一样有一个两段EQ，跟Doubler一个道理，可以修整混响信号的频率。通常，我也会适当切掉一部分低频，因为低频并不会明显的带来立体声感，而且切掉可以避免低频糊掉。
之前说了很多怎么把声变宽，但是要知道，Mono信号其实在音乐里非常重要。所以对于我个人来说，刚开始时不懂，总是想要把声音做宽，后来却发现并不是这样。我有时候回过头去听60、70年代的音乐，那些音乐却依然好听。对于现代的Mix来说，Mono信号依然是非常重要的。

Waves还有个GTR插件，是给吉他用的，但是我除了给吉他用，还常用里面的一个Spring Reverb, 使用时反而是选择Mono模式。我除了给吉他用，也给其他乐器用。Spring Reverb其实最早出现的时候就是在吉他音箱上，出来的声都是单声道的。我认为Waves这个Spring的声音做得比较像，并且密度感觉很大，在单声道模式下，在Mix里面加入这个效果，不会减弱原信号的冲击力，并且有效地润滑了原信号。如果一个很宽的混响，会让原信号的冲击力减弱，比如某一轨道你并不想让它埋在声场里，那么单声道的混响就是一个很好的方案。这个Spring的声音听起来感觉比较“脏”，虽然不适合所有的音乐，但是用在合理的位置却能出奇效。
最后，我想说一下“黑色星期五”（2017年）促销时我买了Abbey Road Plates，用了几次，非常喜欢。它的算法对于立体声场的反应非常明显，配合适当的Pan前Pan后，很容易得到你想要声音。而且，这个混响是很有性格的声音，个人比较喜欢，推荐！
今天在这里由于时间和形式的限制，先就讲这么多，后面的时间留给大家提问好了。
群友：想问老师，Waves插件里面你最喜欢用哪款用来做Delay?
老师：H-Delay。还有H-Compressor，这两个插件写的非常棒。
群友：你是否喜欢用J37来做Delay？
老师：老实说，J37我还没有入手。因为我的工作主要是制作和编曲方面，我目前用的频率最多的是OneKnob系列。
群友：我也给好多人推荐过OneKnob，但很多朋友都觉得就一个钮，看起来不够专业。大家有机会可以试试One Knob Phatter和Brighter，绝对好用。Pumper和Pressure也好用，尤其Pumper，搞电子编曲的话一定会喜欢。
老师：最近集中在制作胡彦斌的专辑，他新专辑主要是电子类的，OneKnob Pumper，每首歌都得用4、5个，非常好用。虽然说原理很简单，但是Pumper的听感非常自然。自己做SideChain虽然效果也不错，但是太麻烦了，Pumper直接挂上，基本上不用动就Ok了。
而且OneKnob的压缩真的很好用，我有AB对比过，OneKnob Pressure胜过很多压缩。我喜欢OneKnob Pressure的声音甚至超过Waves的一些知名压缩。

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waves11：做音频要对症下药——Waves 访音响师杜睿
杜睿，自我调侃是“吃皇粮的音响师”，曾就读于武汉音乐学院和解放军艺术学院学习作曲和录音。从早年混迹于录音棚参与乐队调音，到给五月天乐队校园巡演作Monitor调音师，再到参与负责各类政府晚会，保障各级领导出席的活动等等，经历十分丰富多变，但都围绕着音乐和音频技术。Waves就请杜睿老师分享了自己的音频故事，并邀约他在Waves交流群中进一步分享自己的插件使用心得。

您现在的专职工作据说很“高大上”？
我现在是在部队文工团做专职混音师及音响师，对单位的一些歌曲和作品进行后期混缩和母带处理，同时保障单位的演出，会议等大型活动。其实相对于乐队演出，这些工作反而更有所谓的“套路”，对象相对来说更简单，只是在某些方面会有更多的要求，更多讲究系统的稳定和工作的细节。
早年您在录音棚做调音，后来2008年还给五月天乐队校园巡演担任过Monitor调音师，这些早期经历对现在工作有什么影响？
早期的作曲、编曲工作为我后期的录音混音工作打下了一个很好的基础，同时我也在乐队当过乐手，对乐器和音色有着自己的理解。可能是当时对许多音响师不甚满意，让我走向了音响扩声这个行业。2008年，五月天乐队巡演时使用的PM5D调音台也让我第一次感受到了数字的力量。在现场，不需要如此多的硬件机架，也可以像在录音棚一样对乐队进行混音，这让我感触很深。于是从那一刻起，我开始研究如何在现场演出中使用插件。一开始是用Cakewalk等宿主软件挂插件接声卡进台子，但是延时问题很难解决，随着Waves发布LV1和MultiRack，我开始用MutilRack和MainStage等软件挂载插件，让现场也能对音色实时进行细腻的调整。

MutilRack，调音台插件宿主
各类政府晚会和各级领导出席的活动，这些都是您音频工作中的重头。这些演出和乐队类的演出有什么异同，能分享一下吗？
这类演出和会议保障最重要的是稳定。不仅仅是整个系统的稳定，也要保证音色和音量的稳定。首先，前期准备工作跟乐队演出是不一样的，我们首先要确保音乐的质量——这里的质量不仅仅是有没有杂音，还要保证音量的一致性，每一段音乐的衔接；其次，是保证传声器的稳定性，频率的规划是否合理，和大屏、灯光、内通、对讲机是否有频率的干扰等等。在调试中更注重传声器的可用增益和语音的清晰度，这类演出的声压级一般不会很大，但是人员的不可控性更多，所以会把压缩器的Ratio比例开得更高，让语音的动态变小，保证语音清晰度和音量的平衡。当然，一些基础性的工作和乐队演出是一样的，比如PA的覆盖范围，通道表的制作等。
目前您正和中央电视台军事频道合作录制户外晚会和现场。当下有什么经验感受？
在有录制信号的电视节目中，我会优先保证多轨录音的质量，而且不仅仅要给转播车发送多轨，我自己也会用Tracks Live录一版进行备份。给转播车一般会给推子后的信号，而自己录的我会直接录推子前，确保后期有修改和混音的空间。在确保录制信号没问题后，再考虑现场的效果。一般情况下录制信号监听没问题，现场的音色一定也不会差。跟着央视录节目最大的挑战是环境的艰苦，去年在零下25度的情况下录制了一场晚会，机器这时候比人更娇贵，我们动用了各种取暖设备给数字调音台、数字功放和电脑等进行保暖才保证了录制的成功。

Tracks Live，多轨道录音软件
Waves产品的哪些插件您平时用得最多？
我是2006年开始使用Waves，那时候才上大学，最早使用也就是Q10、C1和L2这种基础性的插件，后来慢慢感受到了插件的力量，硬件模拟和各种染色插件也开始自己摸索。个人现在最喜欢的插件是Scheps Omni Channel通道条，Pre通道的三种染色和DeEsser通道的全频抑制器是这个插件的精髓。此外，Renaissance“文艺复兴”系列是我使用了10年的插件——简单的调整，模拟味的染色，当你不知道该用什么插件时，它们是最好的选择。当然在鼓组中InPhase也是必须要的插件，而CLA Drums也是当你拿到一个不知道该怎么办的音色时最好的选择。

Renaissance系列之Axx
对于声音、设备和使用，您还有哪些经验可以给分享？
我从业时间其实不是很长，但是还是有一些个人对Mix In-the-box的一些想法。首先，我觉得不能一味地进行模仿，因为每一个乐队每一首歌的情感、风格、演奏质量、乐手表现力都是不一样的。具体你使用什么插件，插件的使用顺序，参数的调整等要根据自己的耳朵来进行判断。在平时要多听音乐，而且是各种风格的音乐，看看大师们喜欢什么样的音色，在每种风格的音乐中使用怎样的音色是比较合适的，了解每一种乐器，知道它的音区和发音特点。在演出前我一般会听一下我将要工作对象的专辑，了解他们的音色特点和音乐风格，在脑中有一个大概的印象，这样对你接下来的工作会有很大的帮助。最重要的一点是要熟悉你手上使用的武器，你要了解你的调音台、话筒、音箱和插件，这样当你听到每一个分轨的乐器，脑子里有音色概念时可以对症下药。我一直记得我的老师跟我说过，在现场演出中没有时间让你去试，只有第一时间找到最优的解决方案才能得到最好的声音。
平时除了音乐，您还有没有业余时间或爱好?
我个人是比较喜欢运动的，无论是踢足球、打篮球还是跑马拉松都是我个人的爱好，我也在这里呼吁所有音频行业的同仁们，身体是工作的本钱！每天抽出一个小时多运动运动，对你的职业生涯有着更大的帮助。
感谢您平时在Waves交流大群中的积极分享。通过这些交流，您觉得国内音频行业现状如何？
现在的音频行业可以说是蒸蒸日上啊，有如此之多的高品质设备和插件让我们使用，社交软件的崛起也使我们有那么多老师和同行的心得来进行参考，比如Waves的各种交流群，让我们在这个圈子里更加如鱼得水。
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《银翼杀手2049》的声音设计（下）
这部电影很多时候又吵又猛，有很多低音和轰鸣声。你是如何在混音中平衡低频的？
Mark：在音效方面，你会想得到那种轰鸣声，但也不想做得过头。在我Pro Tools的编辑/混音模板中，每个单独通道都有一个独立的LFE（低频效果）发送，经过一系列插件提供辅助返回，其中我会用LoAir作为LFE输出。我把LFE作为一个独立的元素来控制。我会给LFE辅助轨进行高通处理，来削减吞噬动态余量的超低频。低频范围我设置在大约30Hz，高频设置在杜比标准的120Hz，再做一个比较陡的搁架处理。这样我们就对低频就有了很大控制力。你需要为关键时刻留有余地。你不会想让超低音贯穿电影始终，那样只会让它失去冲击力。


Mangini（右）与电影剪辑Joe Walker和导演Denis Villeneuve进行混音预览
这部电影的声音设计中，音色的音乐性十分突出，即使是那些没有严格使用音乐语言的声音元素也是如此。
Mark：Theo Green和我发现，第一部电影中的声音，那种氛围声其实很像是音乐作曲。Vangelis的创作并没有使用旋律或节奏，但却能营造出一种情绪气氛。我们也把它视为首要任务，去创造类似的铺底和声音织体，支撑影片每个场景的气氛。
我们和导演Denis有意模糊声音设计和音乐之间的界限。他对我们说：“我希望你们能用声音来作曲。”这个想法就是，我们要模糊区别，创造出音乐化的声效，以取代在某些场景中需要的音乐。所以我们创造音乐氛围时用到了钟声、合成器Pad、电吉他音色、铃铛、铜管乐器等等，这样作曲家就不必为这些场景再写音乐提示。
对于创造独特的声音图像，将观众带到另一个世界，你会给有抱负的音效设计师和混音师什么样的建议呢？
Ron：我会说，别害怕大胆尝试。你眼见的可能与你要做的完全没有关系。不要让视觉妨碍你去尝试，因为那样你永远都会担心它合不合适。我们都录到过一些奇怪的声音，将其拉伸翻转然后说：“哇，这真酷！绝对独一无二！“然后它就成了。所以不要害怕尝试奇怪的东西。
另一件事是，永远不要忘记，你正在用电影讲故事。你所做的选择应该比导演所想更远一步。你不是要破坏、阻碍或改变导演的观念或态度。你要跟随你的导演，看到他的方向，然后你就朝那个方向奔跑。

Ron Bartlett在给影片混音
Mark：年轻的音效设计师有自己的独创性非常重要。在我职业生涯早期，我在崇拜一些优秀音效设计师时犯了错误，花了太多时间试图成为他们，而不是成为自己。当你模仿某件事时，你最终至多是变得像你模仿的对象那样好。通过42年时间做过的150部电影我发现，工作能收获成功和快乐，是因为我能遵循自己的直觉，为合作的电影制作人提供了新视角。
我相信我们这部电影取得的成功之一就是，我们能“扩展画面”。我们一直为听众没有看到的东西创造着声音。进行声音设计或声音剪辑的过程往往会变成，你为眼睛看到的内容制作声音，而那仅仅是屏幕上所见。那就像是玩填色块一样，弱化了我们的工作。看着屏幕上的东西，选个颜色画笔或者声音，填充上它就完了。而我们所尝试做的，是在界线之外着色，创造一个并非你实际看到的世界。这是能让观众沉浸在电影中的重要一环，也是我们在制作这部新电影时向《银翼杀手》原作致敬的方式。
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waves插件：Waves讲谈实录—“文艺复兴”四剑客
本期主讲老师是音响师杜睿老师。

大家好，我是杜睿，感谢Waves给我这个机会给大家讲讲Waves的Renaissance“文艺复兴”系列插件。
我最早使用Waves时就开始用这套插件，这也是Waves比较早出的一套插件，但是素质非常高，到现在我也还在使用。文艺复兴插件在Waves里面一共有8个，分别EQ、Compressor、DeEsser、Vox、Axx、Bass、Channel和Reverb。今天我挑选其中的四个来讲，主要也是这四个是我们最常用而且素质比较高的四个。

首先讲下我最喜欢的R Vox吧，这个插件特别简单，只有三个推杆，分别是Gate、Comp和Gain。相信很多朋友都用过，因为它的与众不同。在我的使用习惯中最先拉动的是Comp，也就是压缩模块，这个压缩是个无脑压缩，同时还带限制功能，Comp模块会对音频进行压缩同时自动Make up，但是不削波，在这里你不用考虑各种压缩的数值而只靠耳朵就可以工作，我当你觉得音量不够的时候也可以把它当一个音量最大化的推杆。当你设置好Comp后，会发现无用的杂音，讨厌的呼吸声同时变大了，这时候Gate就要出马了。Gate的推杆也是一个无脑推杆，我理解这个Gate是一个长Attack和一个长Release的Gate，出来的Gate声音和PSE插件的感觉有些类似，感觉很好。不会完全把杂音掐头去尾，特别适合人声上的使用。Gain就不用多说了，由于Comp是带音量最大化的功能，所以很多时候需要Gain来控制电平的大小。

自上而下分别是原始文件、Comp-20、Gain-10、Gate-18的波形文件。能看出第二个波形的动态变小，而第三个文件的呼吸声被去除了。
很多插件上都用这个Gain来表述电平，会有人疑惑它是相当于Input gain还是Output level，在这个插件里是Output level。

下一个插件是R Axx，刚才有朋友问我有没有串联过，我没这么使用过，原因等我讲完这个插件大家就明白了。它也是三个推杆，Thresh、Gain和Attack。这是一个自动Ratio值和自动Release的压缩器。没有写Release是什么数值，但是我个人认为还是Waves经典技术ARC，具体经典的ARC我在下面的Compressor插件中讲解。我认为这个插件就是一个不一样的1176，你可以把Thresh推杆认为是Input，Gain认为是Output，除了Attack值，没有其他数值需要你去操心，又是一个省心的好插件。
在使用中，也就是听感上，这个插件低频浑厚，对低频有较大的染色，所以，我用这个还是更多在乐器轨道上，特别是给吉他、贝斯、鼓。在官方说明中也说这是一个为乐器设计的插件。具体染色，我的感觉有点像SSL，不喜欢高频靓丽声音的同志可以用。

接下来我们来讲R Bass，大家会发现在PT中这个插件不在压缩栏中，在其他栏目里面，原因是这本来就不是一个压缩。虽然听感有些像，但是其实是一个谐波发生器或者激励，就是这个意思啦。你可以在Freq中选择频率，插件以这个频率为中心点，产生谐波。既然是R Bass，那就是说只针对低音频段，频率选择也就只有32Hz到256Hz。大家看32和256这两个数字，一个是2的5次方，一个是2的8次方，我认为不是巧合，一定和这个效果器的谐波发生有关系——这是我瞎猜的啊，有待证实。Intensity的数值就是你需要产生谐波的dB值，也就是增大这个插件产生的效果，用耳朵听吧，别管数值。Gain值的大小是你混合后的声音的总大小，也就是Mix后的Output值。

加载了Renaissance Bass，120Hz的Sine信号

加载了Renaissance Bass，12.1dB的Intensity值，0dB的Gain
这个插件能使低频变得更加肥厚，和MaxxBass插件有异曲同工之妙——当然Waves也有这款插件的硬件。这个插件无论是挂在低频乐器上还是总线上都有很好的效果。
关于这个R Bass我还要说两句，关于In/Out。感谢群友ANN的疑问让我查阅了官方文档，官方文档是这么说的：“Switches the original bass (frequencies below the Freq value) in or out of the final output signal of the processor”。就是，在最后输出是出不出比你选择的频率更低的原始信号。也就是说，当你选择In的时候，比你选择频率低的原始信号才会进来，Out就不会，所以，大家一定选In咯。下面是Out和In的分别测试结果。

下面咱们讲最后一个，也是最复杂的插件，R Compressor。这个插件看上去就像是一个正常的压缩器和扩展器，但是，精髓在于上面三个小按钮上。压缩和扩展部分我就不讲了，和普通压缩器一样，我就讲讲上面三个不起眼的小按钮。

第一个按钮ARC，当显示ARC的时候，Release推杆是不起作用的，也就是说自动释放。官方对这个是申请专利的，全称是Auto Release Control，这个专利真的很复杂，我查了很多国外的文献资料，大概意思就是如果释放时间过长会拖泥带水，过短会有抽吸效果，然后ARC取了个折中的办法，双级恢复系统。双级或自动恢复系统是试图同时提供快速和慢速恢复时间，处理最快的信号瞬变与快速恢复，以维持感知响度，同时缓冲较慢的恢复时间，以避免抽吸信号。
上面一段话不知道大家看明白没，我给大家一个网址，大家可以去研究下：https://www.soundonsound.com/sou ... -release-control-do 这个说明非常详细，后面从电路角度在讲，非常好的一篇技术文章。
第二个按钮，Opto和Electro模式切换，这个相对ARC简单些，但是原理也非常头疼。在Electro模式下，插件会发出类似于LA-2A、黑山压缩的音色，也就是最近特别流行的光电压缩。在R Compressor这个插件里，Electro具有随着增益越来越快的释放时间，当增益减小到小于3dB时，释放时间接近于零。当GR高于3dB时，释放时间变得更长。而Opto实际上是Electro的倒数，因为增益的减少接近0dB，即当“归零”时释放时间变慢。完全就是两种释放模式，GR=3db时的释放值就是你手动设置的Release值，大于或者小于3db是动态的Release值。
另外一个选择按钮则是谐波染色的选择，在Warm模式中，加入了更多的低频谐波染色，使声音更饱满具有力度感。
这个复杂的压缩器讲完了，具体使用大家还是要靠耳朵听，原理真的够复杂的，其实使用没那么麻烦。
我个人来说，完全可以一首歌只用这个三个压缩器加一个激励，当然其他类型的插件还是要用的。在现场，R Vox、Axx这种推子少的最好了，简单快速。其实R Channel也很有意思，只是这个通道条真的没有SSL和新出的Scheps Omni Channel好听，于是就舍弃了。
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waves插件：音乐节乐队音响实战—Waves访音响师陈应霖

Waves去年采访过海南音响师陈应霖（“烧钱”老师），他也曾分享过PSE（Primary Source Expander）插件的使用心得。前不久，他参与了火爆的三亚国际音乐节现场工作。Waves借此机会再请他谈谈最新的实战经验。
前些天的三亚音乐节非常火爆。您正好就在现场，先简单给我们介绍下您所了解的音乐节概况和现场气氛感受吧。
ISY三亚国际音乐节这活动宣传快有一年，很多前期工作早早就开始了，但是我一直以为纯电音，所以一直也没怎么留意......没想到还有其他不同内容的分会场。我是活动前5天才突然接到通知过去干活儿的，有时候感觉自己像是个消防员一样去“救火”。
电音主场在海棠湾，我因为工作的缘故没时间去那个现场。但是听说主场在朋友圈里相当火爆，估计大家也都有看到相关的视频和各种照片等信息了。
那么您是在什么舞台，负责哪些工作，都参与了哪些音乐风格？
我这次是在三亚美丽之冠的Sony Music Live分会场，属于乐队类型的音乐分会场。
这次我主要负责舞台部分的Monitor和相关工作，所有乐队乐器的收音、返听、信号流分配等等。所有乐器的麦克或者DI接进两台STG2412接口箱，用Waves的LV1做Monitor，同时用光纤连接X-WSG卡。因为M32只能通过WSG卡接收32通道的信号，我们通过LV1路由配置有选择地把32通道的信号通过STG2412接口箱增益后，直出到PA用的M32台子里。
这次参与演出的乐队全是Sony公司的，有好几支乐队我都没见过，里面只有王若琳的现场有听过。有爵士和流行两个完全不同的风格，其他的还有偏金属的和比较朋克的乐队。这次的乐队风格差异还是非常大的。

请再给我们详细介绍下您现场的设备。
这次PA部分我们只是负责把需要外扩的信号分配到PA台子上，所以所有工作重心都在舞台这边了。
我们用了两台STG2412接口箱，总共48个输入通道，一台服务器、一台双触摸屏的LV1主控、一台笔记本做录音，同时还有一张X-WSG卡。所有这些设备之间的信号联通、跨接和分配，都是通过两台交换机连接在SoundGrid系统架构里的。

那工作流程基本是怎样的呢？都有哪些准备工作？怎么协调配合？
所有的信号通过麦克风或者DI盒子接入STG接口箱，所有这些硬件和信号路由全部在LV1里完成，输出到舞台上所有的地板箱7个输出通道，4个EMO通道，接口箱增益后DirectOut到舞台主扩需要的32个通道（节拍器和乐队用的内通信号除外）。


我看演出中间的转场时间基本都是15-20分钟，这点时间中您都会做些什么？
这期间主要是快速检查乐队所有输入输出是否正常，同时确保PA接收的信号通道是否有遗漏。因为接口箱总共用了有42个通道，但是PA台子只支持到32个I/O，所以转场的时候会做些输入线路切换，比如Program、DJ和节拍器，还有IEM的检查和分配。
对于您长期用的LV1设备，在这次的实际使用上，您有什么新的体会？
最为吃惊的是江美琪团队的调音师——周良璟老师，之前从未使用过LV1，经过简单交接之后他非常快速熟练地运用起来，乐手的地返箱和IEM调节速度惊人。王若琳的调音师杰克也是，我们交接的时间都是几分钟完成，LV1的优势太明显了，直接上手就用！
期间由于舞台搭建拖延，挤占了很多排练的时间。在艺人到达的时候，Monitor开始排练了，PA台子上的信号输入还没配置完成。我们是在排练期间用Tracks Live录音，在排练之余的空隙时间回放给PA虚拟调音，LV1的A/B输入切换在这样的条件和使用场景下非常完美地解决了PA的后续作业。

调音师杰克的工作背影

调音师周良璟的工作背影
这次工作用了哪些Waves插件，怎么用的？
这次主要负责Monitor，主要工作还是保证舞台上乐手和几位艺人的清晰还音，所以并没有在各总线上对声音做太多的处理，通道里基本都用了这三个插件：PSE、F6和Scheps Omni Channel。
PSE用来降低舞台上各通道串音问题；F6给乐器通道做快速塑型，动态部分都没用，时间太紧；Omni用的还是Saturation和里面的并行压缩。
演出间发生了什么突发小状况吗？您又是如何应对的？
Monitor和PA分别是两台交换机通过光纤连接的，刚开始不能通讯，后来恢复交换机出厂设置就好了（因为之前做过链路聚合配置）。M32通过X-WSG卡发送信号到Monitor也遇到些问题，M32台子上配置太不直观，最后我是通过在LV1主控机器上安装了M32的Remote完成配置的。
下一次再有类似的工作场景下，您会有什么新的先手准备吗？
获取有效并完整的通道表，就可以在到达现场时完成路由的配置。这次就是提前到达了，舞台都没搭建好，不过LV1的离线配置就能很好地利用时间差来提高效率。
最后一个问题，您最近有研究什么新的Waves插件没？
“文艺复兴”系列的每个插件都非常好用，声音我也很喜欢，之前除了AXX以外，其他的在现场还基本没怎么用，最近我在熟悉这个。
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