戏感这个词是网配圈的伟大发明，这个词也已经被专业配音认可和使用。
这个词很大，大到难以定义。
网配的老司机总把戏感挂在嘴边，一直说戏感比声音重要。可谁来告诉我，戏感到底是什么？（吐个槽，很多所谓的导演和师父都会这一句“你没有戏感”，再往下就一问三不知了。）
但它很妙，即使没人能够精准定义它，但一个从未接触过配音的人看到戏感两字，也能明白它大概指什么。
还有一个妙处，这个词道出了一个本质。
配音里很多戏上的问题可以通过技术层面解决，比如换个词点送、换一个调子，然后戏就通了。但更多的问题没法通过技术解决，只能用心揣摩和领悟。比如，如何表现一句含沙射影、有弦外之音的台词，就没办法从技术上解释。只能在真切感受到之后，下意识地表现。
戏感戏感，很多“戏”真的只能靠“感”。
所以，这个贴子里要做的是，把戏感这个大概念一点点拆解，拆解到能直接捕捉的小东西，比如交流对象、说话距离等等，很多。
这些小东西该是什么样，那就要看具体的剧本了，没法在贴子里继续谈。
这是个大工程，会讲这些内容
· 乱七八糟的引导
· 理解——分析——表达
· 常见的问题和注意点
· 养成方法
中间会穿插一些小的思辨和经验（其实是教训…）。

我只写概念上和方法上的东西，几乎不会涉及到技术上的东西。
我猜会有人会下面这些类的问题。
怎么哭（大哭、抽泣…）？怎么笑（狂笑、冷笑…）？直接去精品区看叶落大大的贴子，已经不能更到位了。
清冷（腹黑、温柔）怎么表现？我只能说具体问题具体分析。至少在我的体系里，不存在一类的人物或一类的情感的规定套路。可能在经验上，同一类型的东西有一个习惯性的表现方法（比如慈祥的长者语速会比较慢），但未必恰好适合你的需要。

留个楼，大家可以说说对自己对戏感的理解和定义，看看有没有缺点啥或者多点啥。字数尽量不要超过一层。

【一个基本的传递路径】
配音其实和我们日常说话交流一样，大概是这样一个路径。
你想到的——你说出来的——别人听到的。
很尴尬，这个传递本身是一个信息递减的过程。
经常是：心里有十个饺子，只倒出来一个饺子，这个饺子长得还有点像馄饨。
三个环节，每一个环节的前面都有一个坎儿，会妨碍你达到理想的效果。
举一些常见的例子，包括但不限于以下：
妨碍【你想到】：不通读剧本只看自己的词，想象力单薄，剧本烂......
妨碍【你说出来】：害羞放不开，气息不足，端腔拿调......
妨碍【别人听到】：设备差，掌握不好话筒的距离，听众的审美有问题......
很明显，很多因素其实和戏感无关，甚至和CV自己的能力无关。但确实会影响戏感的发挥和所要达到的效果。这也是我们在戏感之外，强调语言基本功、强调习惯和态度的原因。
这个传递中，前面环节的任何一个地方出了问题，都会造成后面环节的缺陷。
想得太少，说出来东西就干巴巴，别人听着就不满意。
（其实这里面的别人，也可以是你自己。）

【什么算戏感好？】
从听众的角度评价，如果他们听到的是到位的、令人满意的配音，他们就会说这个CV戏感好。
但是，这个评价未必准确。就像前面提到的，每个听众的鉴赏水平不一样。有的人耳朵很刁，配音十年以下的在他眼里没有戏感好的；有的人审美畸形，就觉得端腔不说人话是戏感好。
想通这一层，你完全不必花心思去取悦听众，可以更多去关注自己的角色和戏。
从CV本身的角度评价，完成好前两个环节，戏上的工夫就足了。能挖掘出剧本规定的内容，在此基础上加入自己的创作，并能够将其艺术地表现出来，就是戏感好。
再概括一下，该想的都能想到，想到的能说出来，大致就算个好CV了。
所以戏感，无非就是“想”和“说”。

【戏】
其实配音，无非就是【声】和【戏】两方面的修行。
张震说：不管什么出身，声好、戏好就是好。
有人说：戏感好了一切都好了。戏感最重要，声音不重要。
WTF？你的左脚重要，右脚就不重要？
只能说，去追求什么公子音女神音没必要，本身就是扯淡的东西。
声音都贴不上角色，戏感能叫好？吐字不真，戏感再好也是钝刀杀人。
左脚右脚都重要，而且没有那个更重要，哪个短了都是残废。
扯回来，一段戏或者一个剧本，拿来之后要看什么？
简单说，主要是把握角色和故事，编剧也是这么说的。（继续细分要把握什么，后面再说）
当然这两个不能完全割裂开。角色要通过故事中的表现来塑造；故事如何发展也依赖于角色的各种特质。
除此之外，向上，要考虑到形式和风格。影视剧广播剧动画游戏，不能是同一种配法。用配游戏的表现手段去配影视剧就是不说人话，反过来就是张力不够。古装剧年代剧时装剧，也会有不同；中国风日本风欧美风，也不同。这一点需要经验，导演会帮你分担这个事。
向下，要考虑到每一句词的情景，角色内与外的状态、对手内与外的状态、周遭的环境，在上述的规定之下如何说出这句话，都要心中有数。
分析时就是这个思路。

【表达路径(1)】
—— 由内而外
我们日常说话时，语言的主要有两方面的功能：传递信息和交流感情。
没有这两点的语言就是个空壳，然而包括楼主在内的大部分CV都是正在或者曾经这样配音。配起来抑扬顿挫、高低起伏，听上去戏感很足。然后呢？仅仅是声音形态上的变化，语言里该有的东西都没到位。
不少人以为会重音、断句、语调等等的语言技巧就是有戏感了，很多误人子弟的夫子也这么教的。
记住，没有内在根据的外部技巧都是腔调！！！
再说一遍，没有内在根据的外部技巧都是腔调！！！
所以，思想感情是表达的基础。先是心有所感，然后在有意识和无意识中，产生了对外部的反应。配音也是，内在的东西捋顺了给足了，然后再融入艺术性的技巧说出来，增加表现力和感染力。只要你的处理有因为所以，由心而发，不敢说一定是好的，但是不会错。
一旦走心，套路就不再是套路了。（......撩妹套路是我学的，但我喜欢你是真的啊。）
有目的、有态度、有感情、有意思、有逻辑，再加上真实自然，才是真正的“说话”。
配音是说话，听起来很简单，但“说话”这事儿真没那么简单，特别是在话筒前。
当然，画面配音或者观察生活可以从外部的话语表情行动着手，来体验角色的内在。到自己表达的时候，一定是由内而外，不要单从外部技巧上找。

【表达路径(2)】
——有感才有情，以情带气，以气带声。
这句话很玄，但其实是很生活的逻辑。
有感才有情：你喜欢你的朋友，因为他对你好。因为你清楚他对你好，你有感；所以你喜欢他，才有情。如果你没感受到他对你是好是坏，那你又如何明确你对他的情是爱是恨呢？
以情带气，以气带声：这其实是人的一个本能，相信自己的本能。
很多人说不知道怎么笑。可是想想看，谁平时没笑过，谁真的不知道怎么笑吗？不会笑还是因为情绪没调动起来，讲个笑话马上就笑了，这是本能。
有这个本能了，练气息干嘛呢？
问题只在于，你的笑未必是角色需要的，也未必能达到剧本所要求的强度和高度，更未必好听。这也是我们要训练技巧、训练气息的原因。所以即使我们有这个本能，也不能荒废基本功的训练。笑是这样，哭、强声、弱声等等也都是这样。
而我们声音状态的不同，本质上也是气息状态的不同，气息对了，戏往往也就对了。
我们当时上课的时候，老师问我们还想学点什么，就有人说了气声反应的问题，呃~啊~唔~这种。老师有点诧异，说了句：“这还用学啊，我以为你们都会呢。这不就是本能吗。”
然而话筒前、舞台上经常由于紧张、陌生等各种原因，让我们失去了这种本能。所以演员的一项重要训练就是如何寻找、捕捉到这些情感，并克服内在外在的各种不适应，然后以此来刺激自己的本能和潜意识。

【语言的艺术与生活】
现在配音追求真实自然生活化，这没错啦。但是，这个真实是艺术真实不是生活真实。自然生活指的是一种感觉，并不是要和生活一模一样，艺术性的东西一定要有。否则看什么剧啊，都去过日子呗。
配音和日常说话相比，艺术在哪里？和生活又有哪些不同？说几点，肯定不全。
• 吐字、发声的不同就不提了。
• 规定：生活里我们是做自己，行动说话按自己的意愿。但在剧里是特定的角色，说话行动环境目的等等都规定好了，必须去相信这一切（...不排除剧本超烂让人无法相信的情况）。
换个角度，我们每个人都是生活的演员嘛，在按照自己意愿做自己时都是好演员。所以开始时找一个和自己的生活和性格接近的角色会比较容易把握。
• 表演性质：表演是表现和表达，不是做作和虚假，是act和performance，不是show。配音比日常说话要更有表现力和感染力，要更鲜明，不能模糊，不能似是而非。这可能会带来一定的艺术修饰和夸张。
比如生活中一个人很坚强，生没生病根本看不出来；但如果在戏里，要让观众知道：他生病了。
• 准确：最后进入到成品里的音，表现一定是到位的、清楚的。
生活里可以很随意地表现，如果你说一句话对面没听清或没听懂，你可以再说一遍；说两遍对方还没get到的话，动嘴不行的事情咱还可以动手嘛。
但艺术作品里不行，一旦创作完成了定下来了，没有再来一次的机会，也不能把观众拉过来打一下。所以说，配音经常是遗憾的艺术。
不完美就不完美，放宽心。连张国立都因为在电视剧里有几处逻辑重音没表达准，被人写进书里当反面案例了。
• 淡化不美好的真实：在创作中，未必要把事实一板一眼、不加改动地复刻一遍，除非你崇尚的是自然主义。像喜怒哀乐这些情绪可以尽情表现，能感染到观众最好，这没问题。但是如果是表演呕吐，演得太真实引起观众的不适反应就不好了。
再说个高点的，姜sir讲他录制魁拔的时候配了一个掌柜的，原本想塑造一个非常势利的商人形象。但导演说表现出一个服务行业的有礼得体就可以了，这种势利是作品不想传达的。
当然这条不是绝对的，也要看艺术需要。比如《杀死比尔》这种暴力美学，放大血腥的东西刺激观众的快感，也是出于需要。
• 生活化的分寸：有些作品需要还原生活，比如描述家长里短的故事，不接地气就会让人融不进去。有些作品就是为了让你从现实中解脱出来，比如游戏。所以游戏配音需要在二三次元中间做个分隔，把玩家从生活世界拽出来，然后引到游戏世界里去。太生活反而没代入感。

好了，往下才是真正的干货。
【理解——分析——表达】
舞台行动有三要素：做什么？为什么做？怎么做？
配音可以用同样的框架：说什么？为什么说？怎么说？
这其实也是一个万金油的思考的问题的框架。
接下来就是三个部分，理解——是什么？分析——为什么？表达——怎么办？
PS：这个思路，包括下面会写到的一个分析框架，都是我个人习惯的思考模式。
当你们形成自己的体系之后，一定要建立自己的思考模式。
戏感就是一个大蛋糕，有很多切割方式，横着切，竖着切，平着切，花式切。
只要保证切完的拼回去，还是一块完整的蛋糕就行，别偷吃了或者扔掉了。

【理解】
先通读剧本，通读，不是只看自己的词。
不止看台词，后期提示场景提示也要看，可以帮助你理解一段话的情景。（......配时候再看也行。）很多电视剧在配音时候用的就是像小说一样的文学本，而不是干干净净的台词本。
如果是有画面的配音，还要参考画面或者分镜本。
·理解人设：切忌把人设简化成XXXX音（什么温柔公子音、沉稳少女音之类的），除非是龙套。要有完整的人物设定，必要的设定没有的话要自己补足，最好是编剧或者其他主创能给讲一讲。（商配的话，如果是客户重视的项目，会有主创来给导演或者配音演员详细讲解角色，甚至连角色的衣服为什么使用某种配色都会讲。）姜sir也说过：他希望人物设定越丰富越好，总比自己想的要好。
理解你的角色在剧情中的地位和作用。比如是主角配角龙套还是反派，配角是帮主角的还是怼主角的，反派是小喽啰还是大boss，有没有洗白等等......
必要的话，可以自己写人物小传，甚至人物前传，100~300字差不多，特别是在编剧给的信息很少的情况下。
·理解故事：故事发生的大背景，比如古代民国现代，校园乡村江湖等等。对于故事主线的内容和走向要有个印象，比如故事开篇是什么，高潮是什么，怎么发展到的高潮，结局是什么等等。如果编剧能把故事大纲给你就更好了。
最好读完之后能把整部剧分成几块儿，后面有用处（……如果经验不足不会分，就按章节或场次来吧，前提是编剧靠谱。）
·理解台词：理解台词的表意乃至深意，以及情感。（深一层的潜台词可以留到分析的时候）。不要只停留于文字的识读，要理解这个人物说这句话是想传达什么信息。
（）内的情感提示可以帮助我们领会编剧和导演的想法，是我们在理解情感时有用的参考。注意，是参考，不要严格执行这个提示，更不要没有提示就不会配了。
我对情感提示这个东西持保留态度。下一层楼会具体阐释这个问题。

我对情感提示持保留态度，并不是说编剧不能写，而是说CV要谨慎看待这个东西。
有以下几点原因：
1.情感提示不可能照顾到整句话，特别是长句。一种情绪配三行，能叫有戏感吗？
实际上，一句话中的每个分句的感情都有小的层次变化，编剧不可能每个分句都标注上。而往往，经验不足或思考较少的CV容易盯着一个情感提示词从头配到尾。在开头看到（愤怒），直接用十成力开喊，不给后面递进留空间；在中间看到（愤怒），前面就很平静，完全忽略了情绪爆发前的酝酿。
2.情感提示会不明确。比如白富美被矮穷矬纠缠的情景中，像（恶心）这种提示词，大概能从中了解编剧的想法，但实际上并不清晰，到底只是讨厌嫌弃、还是鄙夷、还是真的引起了不适反应？
3.单看一句时，情感提示没有问题；但上下文连起来看，这个情感提示会显得很突兀，不连贯。
4.最重要的一点——情感提示经常是一个很糟糕的暗示！！！
例：你知道还有什么方法能使修炼事半功倍吗？（诱惑）双修。
剖析下cv看到（）的内心活动，一般会开始想：要诱惑，要够撩，要用气声……但其实这句话的意思是发出啪啪啪的邀请，角色的内心活动是：我要上你，来一炮吧。
这之间其实是有差别的，前者是cv的动机，后者是角色应有的动机，之间的差别就造成了演员本身和角色间的游离，其实是没进入状态。
情感提示就糟糕在这里，它引导你去追求结果，却忽略了过程；去追求表现，缺忽略了内在。
所以，CV不要太看重、更不要太依赖（）中的情感提示。看一眼，试着揣度一下编剧是想要什么就可以了，能满足就满足，满足不了就不管它。专业商配的剧本里情感提示是比较少见的，一般只标注哭、笑、气（表示各种气声）、叠上（和其他角色声音重叠），再就是游戏台词里会用（）标注一个时机，比如阵亡、登场等等。

【分析(1)】
理解时浅一点没关系，可以在分析时来完善。反正都是“想”，熟练之后，理解分析能够一起完成。
都要分析什么东西？思维框架是什么样的？下图是我总结的，后面会逐一解释。虽然是我个人的东西，但其实每个入了门的配音演员都会考虑这些点，内容是一样的；区别只在于用什么样的方式去组织和编排，以及用什么名字去命名。